Posteado por: Mari Carmen | 17 marzo 2012

Música instrumental

La Música instrumental en el Barroco

Audición: Pachelbel, Canon en Re Mayor

Audición: Albinoni, Adagio en Sol menor para órgano y cuerdas

La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había empezado en el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución técnica de los instrumentos, el nacimiento de la ópera y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se especializan debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la figura del virtuoso. Los compositores van a lograr en sus obras la máxima expresividad.

Podemos distinguir  tres maneras de interpretar la música instrumental dependiendo del número de instrumentos que intervengan:

  • MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los compositores empezaron a escribir pensando específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus cualidades técnicas y su timbre. Las piezas para instrumentos solistas permitían al intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo su habilidad técnica y su expresividad musical. Dentro de los instrumentos solistas destacarán el órgano, el violín, el clave…  con obras como la fuga o la suite entre otras.
  • MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más instrumentistas sin llegar a ser un grupo numeroso, cada parte musical es interpretada por un solo instrumentista (en contraposición a la orquestal). Es música de carácter íntimo destinada a ser interpretada en pequeñas salas. Será el género preferido por la nobleza.
  • MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las tres familias. Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen el número y la composición de la orquesta, y la elección de los instrumentos dependía de las circunstancias y de las posibilidades del momento. A partir del siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte; uno de los primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación de los mismos en su obra Orfeo.

Es en Venecia, y en otras ciudades de Italia como Bolonia y Roma donde la música instrumental sufre una fuerte evolución. Durante la primera mitad el S. XVII siguen formas de la etapa anterior, que podemos resumir así: piezas en contrapunto imitativo como el ricercare y fantasía ; del tipo de la canzona, constituidas por una sucesión de secciones contrastantes, como la sonata; las realizadas a partir de un bajo dado, como la chacona, etc ; en estilo improvisatorio, como la tocata o el preludio; finalmente, piezas que partes de las danzas o bailes. Tener en cuenta que ahora todas estas piezas cambian de carácter con el empleo de las nuevas técnicas de la época.

Pasados estos años iniciales del S. XVII, siguieron las grandes formas instrumentales de más trascendencia; especialmente la suite, la sonata y el concierto  sin olvidar otras como la obertura o la fuga.

a) Pequeñas formas instrumentales .

  • La suite

Composición escrita con la unión de varias danzas, tiene su origen en las parejas de danzas del renacimiento. Puede estar escrita para un instrumento solista (generalmente para clave)  o para orquesta.  (Se explica en el apartado de formas orquestales).

  • La sonata

Sonata significa “música para ser sonada” . Como otras muchas formas barrocas se origina de esa realidad estética que determina la música barroca : la contraposición de movimientos, o el principio de contraste, usado sobre todo en la danza, donde se suelen suceder una serie de danzas contrapuestas.

      Pero llega un momento en que estas danzas ya no se bailan, sólo se tocan ; y en ese momento nace la sonata, que aparece en pleno Barroco con un esquema prototípico en cuatro movimientos que, tal como los ordena Arcangelo Corelli suelen ser:

  • Grave
  • Allegro en estilo fugado
  • Moderato
  • Vivo, en estilo fugado, u homofónico.

Estos movimientos procedían de la sucesión de danzas del tipo de allemanda (lento), corrente (allegro), zarabanda (lento), giga (allegro). Pero existen otros elementos definidores, como son el contraste de movimientos y texturas, es decir, la sucesión de textura contrapuntística y homofónica; todo con bajo continuo.

 Dentro de la sonata se distinguieron dos tipos :

a) la sonata da chiesa : que nunca lleva en sus movimientos nombre de danza (están relacionados con los tempi) y cuyo continuo lo suele hacer un órgano

b) la sonata di cámara : que sí lleva títulos danzas y cuyo continuo lo hace un clave.

Estos dos tipos no son dos formas distintas, más bien los nombres hacen alusión a los lugares de interpretación: la iglesia y la sala.

Entre los creadores de la sonata barroca hay que destacar a Arcangelo Corelli (1653 – 1713) , gran violinista y compositor que estudia durante cuatro años en la escuela de Bolonia , estableciéndose posteriormente en Roma donde vive desde 1671. Aquí compone sus célebres doce Sonate da chiesa Op. 1 ; sus once Trío-sonate da camara op. 2; la op. 3 y doce Sonate  per violino Op. 5. Entre sus discípulos más destacados mencionar a Giuseppe Torelli (1658-1709), Tommaso Albinoni (1671-1750). Cabe mencionar también a Guiseppe Tartini (1692-1770), quien escribió la sonata para violín en sol menor subtitulada “El trino del diablo”.

Audición: Trío en Sol Mayor RV 103, A. Vivaldi

La sonata bipartita de finales del barroco.

La sonata barroca tiene una nueva línea de evolución al final del Barroco con las obras de un gran músico, Alessandro Scarlatti (1660-1725) y su hijo Doménico Scarlatti a través de un instrumento: el clavicémbalo. En realidad su aportación consistió en  pasar la sonata la sonata de violín al clave. Esta sonata también se llama monopartita, porque en realidad consta de un solo movimiento dividido en dos secciones A y B, o sea, binaria, que se repiten y en las que en la primera se llega de la tónica a la dominante, y en la segunda de ésta a la tónica. El esquema representativo podría ser:

    A                    B

I     V            V     I

Audición: Sonata para clave en Do Mayor, K 461, Domenico Scarlatti

  • La fuga.

Será una de las formas más importantes para teclado, tanto para órgano como para clave. Es una forma simple, es decir escrita en un solo movimiento y de textura contrapuntística basada en el uso de la imitación. El tema principal llamado “sujeto” va alternando con temas secundarios o “contrasujetos” y con partes de imitación más libres llamadas “episodios”.

El estilo compositivo de la fuga se trasladará con frecuencia a la música vocal y a secciones instrumentales de obras mayores, dando lugar al llamado estilo fugado.

El gran maestro de la fuga es el compositor alemán J. S. Bach.

Audición: Fuga nº 2 de El clave bien temperado, J. S. Bach

b) Formas mayores para orquesta.

  • El concierto.

Durante las dos últimas décadas del S. XVII aparece una nueva forma instrumental, que se convierte en la más importante del Barroco. Su nombre viene de la palabra concertare, es decir, “tocar varios instrumentos al mismo tiempo” y es el concierto. En él se dan los principios de la música barroca:

  • La lucha entre el bajo continuo y una voz florida encima.
  • La organización de la música en el sistema tonal mayor/menor.
  • Construcción en movimientos separados, autónomos y contrastados.
  • El contraste colorístico entre diversos grupos tímbricos.

Podemos definir el concierto diciendo que se trata de una forma orquestal que suele constar de tres movimientos contrapuestos, usualmente con este esquema :

Allegro / lento / allegro.

En el Barroco hay que distinguir dos tipos de conciertos:

a)      El concierto grosso: para un grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti) que van contrastando alternándose en la interpretación de partes nuevas y fijas llamadas ritornello (retornar quiere decir “volver” que es la música que toca el tutti y que se repite varias veces).

Los compositores más destacados son Arcangelo Corelli (1653-1713), Georg Friedric Haendel y Johann Sebastián Bach.

Audición: Allegro del Concierto grosso para cuatro violines, cuerda y bajo continuo, Vivaldi

a)      El concierto solista: compuesto para un solo instrumento que contrasta en constante diálogo con la orquesta.

El compositor más estacado es Antonio Vivaldi (1678-1741) al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista, la mayoría para violín aunque también para fagot, violonchelo y flauta.

Audición: Movimiento lento del Concierto para Oboe en Re menor, Alessandro Marcello

Creadores del Concierto.

Son una serie de compositores que viven en los tres grandes centros del norte de Italia, Módena, Bolonia y Venecia, los que desarrollan el concierto. Para ello fue preciso el virtuosismo violinístico y contar con los magníficos instrumentos de los constructores de Cremona. De los tres centros, el más importante fue, sin duda, el de Bolonia a través de músicos como de la iglesia de San Petronio. Es Tommaso Vitali el más importante de ellos; inmediatamente surgen otros dos: Arcangelo Corelli (1653-1713), que compondrá en Roma y Guiseppe Torelli (1658-1709), en Bolonia.

Todos estos músicos componen conciertos de valor, pero el más importante es Antonio Vivaldi (1676-1741), creador del concierto solista, uno de los genios más grandes del barroco veneciano.

  • La obertura

Etimológicamente significa “pieza para abrir”. Por ello, puede servir para iniciar una obra de mayores dimensiones (ópera, oratorio).

Las primeras oberturas no eran otra cosa que fanfarrias para llamar la atención y tenían nombres tan variados como tocata  o sinfonía. Es a finales del S. XVII cuando esta pieza instrumental tomo forma definitiva en dos variantes:

Obertura francesa. Inventada por Lully. Consiste en dos movimientos: el primero lento, pomposo, con el característico ritmo de negra con puntillo y corchea; y un segundo movimiento veloz, es estilo imitativo, que puede terminar en un corto tiempo lento.

Obertura napolitana.  Introducida por Scarlatti en su obra Dal male i bene y consta de tres secciones: allegro (en estilo contrapuntístico), adagio y allegro (influido por la danza).

     La obertura evolucionará en el clasicismo hacia la sinfonía.

  • La suite

Es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter, con la contraposición típica del estilo barroco. Todas las danzas están escritas en la misma tonalidad y suelen responder a formas binarias. Su origen está en la sucesión de danzas contrapuestas del renacimiento. En esta época las danzas se agrupaban en parejas de baile de distinto ritmo y carácter. El número y la disposición de las danzas en la suite barroca puede ser muy variable. La estructura más habitual es la siguiente:

  • Allemanda: ritmo binario, 4/4, tempo lento o moderarato
  • Courante: ritmo ternario, 3/4 o 3/8, tempo rápido
  • Zarabanda: ritmo ternario, 3/4, tempo lento
  • Giga:ritmo ternario compuesto, 6/8, tempo rápido

Puede estar escrita para un instrumento solista (generalmente para clave)  o para orquesta. Entre 1690 y 1740 surge en Alemania la suite orquestal.  El número de danzas de que consta puede ser muy variable; por eso, a la suite se la ha denominado “forma abierta”. Bach lleva a esta forma a la máxima perfección. En general, como forma orquestal es muy común que tenga estas características:

  • Comienza con un preludio de introducción u obertura.
  • Siguen un número variable de danzas.
  • Algunas se escriben en pares, así bourré  y bourré II.I
  • Las danzas más habituales (también para orquesta) son las indicadas con anterioridad : allemanda, courrante, zarabanda y giga.

Audición: Rondó de la Suite para orquesta de cuerdas, Purcell

Aria de la Suite nº 3 en Re Mayor, J. S. Bach

Badinerie de la Suite para orquesta en Si menor, J.S. Bach

.

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Responses

  1. Esta informacion es es exelente ya que esta muy bien argumentada y los
    parrafos estan muy bien explicativos.
    gracias esta informacion he aprendido mucho acerca de la musica.

    • Gracias por hacerme saber de la utilizada del blog. Esto anima a seguir trabajando en él. Un saludo y hasta cuando quieras.


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