Posteado por: Mari Carmen | 30 marzo 2012

Música vocal profana: La Ópera

La Música vocal profana. La Ópera

Las formas vocales sufren una gran evolución durante el Barroco, pero sobre todo se inventan nuevas formas que además van a tener gran importancia en la historia posterior y van a continuar hasta nuestros días. Podemos distinguir entre formas profanas y religiosas. Las más importantes son : la ópera, la cantata, el oratorio y la pasión.

En esta entrada te hablaré de la música profana, es decir, del nacimiento de la ópera. Dejaré para otra entrada la música religiosa.

La ópera

Origen y  la Camerata Fiorentina.

 A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales (músicos, poetas y sabios y científicos). que trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conocerá como “Camerata Fiorentina”. Estos artistas están en contra del desarrollo polifónico que habían alcanzado las composiciones del Renacimiento, que por su complejidad, perdían la esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al oyente y hacer brotar en él todo tipo de sentimientos.

Van a llevar a cabo un trabajo de investigación, intentando retomar las raíces de la música griega. Llegan a la conclusión de que en Grecia la música era monódica y con un acompañamiento instrumental; esta música estaba cargada de una gran expresividad. Basándose en estos principios nacerá la técnica de la monodía acompañada, que será la base fundamental de la ópera posterior. Los artistas de la Camerata buscaban un género capaz de abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como “la obra de arte total”, ya que va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro, danza,…; lograba una gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y palabra.

La primera ópera representada fue la titulada Dafne, de Jacobo Peri (1561-1633), estrenada en 1594. Ésta se ha perdido, por lo que se considera la primera Eurídice , compuesta por dos músicos, el citado Jacobo Peri y Giulio Caccini (1550-1618), con texto de Rinuccini. Esta ópera se estrenó en el Palacio Pitti de Florencia en 1600, para festejar la boda de Enrique IV y María de Médicis.

El éxito del nuevo género musical será grande y  surgen de inmediato otras obras de interés. Entre todas ellas destaca por su genialidad una ópera que ha quedado ya como símbolo del primer barroco, Orfeo  de Monteverdi, estrenada en 1607.

Este músico se convierte en una de las figuras claves del momento. Monteverdi deja de considerar la ópera como espectáculo decorativo e insiste en pintar los dramas pasionales de los personajes. A su muerte, la ópera es un gran género extendido por toda Europa y especialmente en Italia, donde se formaron tres escuelas:

Escuelas operísticas:

Romana. Nace sufragada por generosos mecenas, especialmente la familia Barberini. Destacan Maffeo Barberini, que disfrutó de un largo reinado como papa bajo el nombre de Urbano VIII, su sobrino Taddeo y los cardenales Antonio y Francesco. Los dos últimos edificaron el Teatro Della Quattro Fontane, que tenía 3000 asientos y grandes maquinarias concebidas por el escultor y arquitecto Bernini. El teatro fue estrenado con la ópera de Stefano Landi (1590-1655), Sant´Alessio . Otro autor destacado de esta escuela fue Luigi Rossi (1597-1653). Las características de esta escuela son:

  • El ambiente pastoral que envuelve las obras, con la participación de numerosas divinidades que aparecían en complicadas maquinarias; uso de coros danzantes, riqueza de vestuario y, en general, una ópera concebida como gran espectáculo.
  • Desde el punto de vista musical, el recitativo tiene poca importancia; ésta la asume el aria, que tiene dos variantes: el aria estrófica y el aria con forma ABA.
  • Los coros tienen gran importancia.

Veneciana. En Venecia la ópera tuvo un carácter más popular. Era sufragada por familias de ricos comerciantes, con el dinero de las ventas de entradas y el arriendo de los palcos. Por ello, las óperas que se estrenaban no eran para honrar al príncipe o al noble, sino para satisfacer al público. El primer teatro abierto fue San Casiano, en 1637. Monteverdi compuso cuatro óperas para los teatros venecianos, de las que se conservan Il ritorno de Ulisse y La coronazione di Poppea. Otros autores de esta escuela son Francesco Cavalli (1602-1676) y Antonio Cesti (1623-1669). A Cesti se le considera como el compositor que hace posible la síntesis entre la ópera romana y la veneciana.

Audición: C. Monteverdi, Orfeo (dúo: la Mensajera-Orfeo)

Audición: Monteverdi, Orfeo (solo de Orfeo)

Audición: Monteverdi, Orfeo (coro de ninfas y pastores)

Napolitana. La ciudad de Nápoles suplanta a Venecia como gran promotora del arte lírico. Caracterizada por la importancia de lo cómico, allí encuentran forma definitiva la ópera bufa, y lo que a partir de aquí se llamará el bel canto. Bel canto significa “canto bello” y se refiere a un estilo musical de gran desarrollo y lucimiento para la voz, que parece competir con los instrumentos, hablándose de un “proceso de instrumentalización de la voz”.

Esta escuela llega a su culmen unos años más tarde que las dos anteriores, con Alessandro Scarlatti (1660-1725) y Giambatista Pergolesi  y con la construcción de su gran teatro, el San Carlos, en 1737. Con Scarlatti la ópera se centra en el aria, pero sobre todo establece ya un tipo de aria que va a ser muy importante, la denominada Aria da capo y, también, una obertura conocida desde entonces como napolitana.

La ópera en Francia e Inglaterra

El inicio de la ópera en Francia coincide con el reinado de Luís XIV, donde la música se emplea para solemnizar los importantes ritos de la corte de Versalles. La música pierde en ella sus cualidades dramáticas, y se convierte en algo más decorativo que pretende reflejar el sentido de la grandiosidad y la majestuosidad. El creador del lenguaje operístico francés es un compositor de origen italiano, Jean Baptiste Lully (1632-1672) que afrancesa el estilo italiano y compone una música dotada de claridad y orden.

Después de componer ballets e intermedios, se dedica a la ópera, en colaboración con Corneille y Moliêre, y compone entre otras su obra maestra Armida.

  • Las óperas se llaman “tragedias líricas”, y tratan de temas mitológicos.
  • Adapta el adornado canto italiano a las acentuaciones del texto francés.
  • Crea un tipo específico de obertura, denominado obertura francesa, que consta de tres tiempos: lento – rápido – lento.

Los sucesores de Lully siguen un sistema operístico en el que tiene mucha importancia la mezcla de ópera y ballet. Surge así un género intermedio denominado “ópera-ballet”, en el que se pierde la unidad dramática, aunque se gana en vistosidad. La Europa galante de Campra, inaugura este estilo. Esta forma lleva a la ópera francesa a su decadencia. Será necesaria la contribución de otro gran compositor, Jean Philippe Rameau  (1683-1764), para arreglar la situación. Rameau devuelve a la ópera la unidad dramática perdida, tratando de explotar al máximo las cualidades de la lengua francesa; entre sus obras destacan Cástor y Pólux, Platea y Pigmalión.

Audición: J. B. Lully, Le bourgeois gentilhomme (Comedia ballet)

La ópera llegó también a Inglaterra por medio de un músico de gran importancia, Henry Purcell (1659-1695). Los ingleses de esta época valoran de una manera especial el género, y llegan a la ópera a través de la Mascarada, una especie de ballet escenificado que, poco a poco y con la introducción del recitativo italiano, se convierte en ópera.

La primera gran ópera inglesa compuesta por Purcell es Dido y Eneas, obra de gran riqueza tímbrica, armónica y rítmica. En ella Purcell se muestra maestro de la declamación, una de las cualidades que más le distinguen. Le siguen otras óperas como El rey Arturo o La reina india. Con ello estaba preparando el camino para la llegada de Haendel, gran compositor de óperas como Julio César, Alcina, etc, acomodadas al gusto aristocrático.

Audición: H. Purcell, Dido y Eneas (coro en forma de eco)

Audición: Purcell, Dido y Eneas

Partes de la ópera

En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:

  • OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve como introducción al espectáculo. La música comienza con el telón cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto con el escenario.
  • RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos. Existen dos tipos de recitativo: Secco ( acompañamiento sólo de bajo continuo) o Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).
  • ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.
  • COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.
  • INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores. También se denominaron “ritornellos”.

Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,…

En la ópera participaban muchos personajes: los músicos de la orquesta, los cantantes del coro, extras que no cantaban,… Entre los personajes que más sobresalían en las óperas figuran los castrati.

Tipos de óperas

Podemos distinguir dos grandes tipos de óperas:

  • ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia debido a su refinamiento. Es muy compleja debido a sus argumentos y a su gran despliegue técnico. A este tipo pertenece la primera ópera: “Orfeo” de Claudio Monteverdi.

Características:

–  Tiene un lenguaje armónico muy rico y variado.

–   Se basa en escritores clásicos griegos o romanos. Es decir, presenta temas de carácter mitológico.

–   Consta de tres actos (llegaría hasta 5), que son una sucesión de recitativos y arias. La acción se desarrolla en el recitativo (muchas veces en forma de diálogo entre personajes), y los sentimientos y emociones se expresaban en el aria. El aria es la gran protagonista de la ópera.

–   Puede haber dúos, se emplean pocos conjuntos y raramente coros.

–  La orquesta, salvo en la obertura, no tiene gran protagonismo. Los recitativos normales se hacen sólo con el clave y, quizás, un bajo sostenedor con una viola o violonchelo; en situaciones dramáticas más importantes, se les añade la orquesta.

El aria da capo : la gran protagonista de la ópera y, por supuesto, es el reino del cantor, lo que da origen al mundo del castrado, que vive en estos momentos su “Edad de Oro”.

El aria da capo tiene un esquema tripartito : ABA´. Se llama da capo por la costumbre de poner después de la sección B las palabras da capo, para indicar la vuelta al comienzo.

El texto tiene dos estrofas, la primera corresponde a A, la segunda a B. En el da capo se repite A pero con decoraciones o coloraturas añadidas y largas cadencias.

Autores de óperas serias:  destaca Georg Friedrich Händel (1685-1759), quien antes de dedicarse al oratorio compone, entre 1711 y 1740, óperas acomodadas al gusto aristocrático, como Alcina y Julio César entre otras. Otros autores también destacados son Nicola Pórpora y Johann Hasse.

  • ÓPERA BUFA: La ópera seria desató una reacción en contra, la denominada “ópera bufa”, cuyo elemento definidor es precisamente su carácter popular. Es posterior a la ópera seria y la favorita del pueblo.

Características:

– Musicalmente es más sencilla

– Los protagonistas no son dioses, sino personas de la clase media que critican a la aristocracia.

–  Su cualidad más importante es la naturalidad. Los argumentos son extraídos de la vida cotidiana y por lo tanto fáciles de entender (muchas veces son una crítica a la aristocracia).

–   Se realiza con gran economía de medios: pocos personajes, pequeña orquesta y ausencia de coro.

–   Usa elementos de carácter folclórico.

–   Se distingue por frases musicales muy cortas, frecuentes repeticiones y abundantes cadencias.

–   Es fundamental y novedosa la importancia y el empleo que se hace de la voz de bajo, denominada bajo bufo.

 La primera ópera de este tipo fue escrita por un autor italiano llamado G.B. Pergolesi, titulada “La Serva Padrona” en 1733.

Desarrollo de los teatros

A finales del siglo XVII se va a producir una novedad que tendrá mucho que ver en el posterior desarrollo de la música; fue la creación de los primeros teatros públicos. Hasta ese momento, aquel que desease escuchar música tenía que acudir a la iglesia o bien ser invitado por las altas esferas sociales a sus celebraciones (posibilidad bastante remota si no pertenecías a la nobleza). Esto cambió cuando comenzaron a surgir los primeros teatros y salas de conciertos que se abrían a todo el público bajo el pago de una entrada. El campo de la música, a partir de este momento se abre a toda la población, que ávidas de consumo musical acogerán la idea con gran aceptación.

De esta manera se empiezan a multiplicar los teatros y las salas de conciertos de las ciudades más importantes.


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